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El trágico precio de la fama

Amy Jade Winehouse

A escasos días de que se cumpla el sexto aniversario del fallecimiento de una de las figuras más grandes del mundo de la música, hoy, quiero rendirle homenaje desde estas páginas evocando su recuerdo.

Pretendo rescatar a la persona, al ser humano que permanecía oculto detrás de la artista, ya que algunos se empeñaron en crear un mito envuelto en la polémica, no sin estar exento de varios y sucesivos escándalos de su vida personal.

Al escuchar su voz, dotada de un poderoso registro, rasgada, de ricos matices y bien modulada, que la confirman como una de las más grandes intérpretes de jazz de todos los tiempos, me siento transportada a un mundo lleno de emociones en el que me invade una profunda tristeza pensando en el absurdo y dramático final que tuvo, algo que se podría y debería haber evitado.

Amy Jade Winehouse cuando era niña

Transcurría el mes de septiembre de 1.983 cuandovino al mundo, no con un pan bajo el brazo, sino con un talento especial para la música. Nació en el seno de una familia judía, que vivía en el norte de Londres (Southgate). Mitchell, el padre, conducía un taxi y Jade, la madre, era farmacéutica. Amy era una niña divertida, impulsiva, a la que le gustaba ser el centro de atención superando a su hermano Alex. Desde muy temprana edad, ambos, se habituaron a compartir los gustos musicales de su padre, Mitch, un amante incondicional del jazz, el soul y los blues, destacando la admiración que prodigaba a Frank Sinatra. La infancia de Amy fue feliz hasta que el equilibrio se rompió con la separación de los padres ocurrida cuando solo tenía 9 años. Para ella debió ser un tremendo trauma ver cómo el reducido y maravilloso mundo en el que vivía se desmoronaba súbitamente, dejándole una huella que arrastraría consigo y que marcaría algunos de sus pasos en el devenir de su vida.

Conocedores del potencial de su hija sus progenitores la inscribieron en la Escuela de Teatro de Susi Earnsh, donde estuvo aprendiendo durante cuatro años, y con apenas 10 años ya había fundado una banda de rap llamada Sweet’n’Sour. Le regalaron su primera guitarra una vez cumplidos los 13 y al siguiente ya componía. A esa edad se matriculó en la prestigiosa Escuela de Teatro de Sylvia Young. Las estrictas normas de la escuela propiciaron la expulsión tres años después; los motivos, no ‘implicarse’ y hacerse un piercing en la nariz.

Se convirtió en una adolescente díscola dejándose llevar de las emociones e impulsos, individualista, vulnerable, algo tímida, de familia disfuncional, detestaba las drogas duras y a la vez, era desprendida y generosa. Disfrutaba desarrollando su creatividad, componiendo canciones, acumulando vídeos, mensajes de voz, derrochando energía al mismo tiempo que generaba ideas y se enamoraba. Era un espíritu libre, Amy en estado puro. Formó una banda femenina de jazz, que más tarde abandonó. En aquella época se presentaba en algunos bares de Londres en los que se ofrecía como cantante. No solo componía o cantaba las canciones, sino que a través de su voz transmitía sentimientos que anidaban en el alma. Los melómanos aficionados que asistían a sus representaciones quedaban de inmediato fascinados. Fue su pareja, el cantante Tyler James, quien entregaría una maqueta de ella a su productor, así dio comienzo la carrera profesional de esta preciosa y joven promesa, con 16 años. El primer contrato lo firmó con Simon Fuller, de quien prescindió en el 2002.

“Se convirtió en una adolescente díscola dejándose llevar de las emociones e impulsos, individualista, vulnerable, algo tímida, de familia disfuncional, detestaba las drogas duras y a la vez, era desprendida y generosa”


Más tarde, unas producciones grabadas por ella en las que era la vocalista principal, le fueron mostradas por el gerente de los hermanos Lewinson al representante Darcus Beese de Island/Universal. Cuando la escuchó cantar se la presentó a Nick Gatfield, su jefe, el cual quedó impresionado por el talento que destilaba y la ofreció un contrato editorial con EMI, su productor Salaam Remi se ocupó desde ese momento de su carrera musical. El primer álbum, Frank, tuvo muy buena crítica, compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Grey. Logró alzarse con el premio al Disco de Platino del Reino Unido, también fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards.

Entonces llegó la fama y mientras digería las mieles del éxito conocería al hombre que marcaría el antes y el después en su vida. Blake Fielder y Amy se conocieron junto a sus respectivas parejas en 2004 en un pub de Londres, se enamoraron y decidieron estar juntos. Habría podido resultar una bonita historia de amor si no hubiera sido porque el joven Blake era adicto a las drogas duras. Inicialmente la relación fue breve porque a los pocos meses se separaron. El fracaso sentimental tuvo una fuerte repercusión en el ánimo de la joven, llegando a padecer una depresión además de una bulimia que la hizo perder bastante peso. Teniendo siempre cerca a su familia para animarla y apoyarla, especialmente a su padre Mitch, consiguió recuperarse física y emocionalmente. Trabajó en su segundo álbum al que llamó Black to Black inspirado en su relación con Blake. Consiguió un enorme éxito de ventas, llevándose cinco premios Grammy en una sola noche. Amy alcanzaba el cénit de su carrera musical.

Las jóvenes fans de todo el mundo la adoraban, querían emularla, cantar sus canciones, vestirse como ella, tatuarse, hacerse un moño, etc. Cuando realizó la gira por EE.UU, la gente acudió en masa para verla en directo, los que no la conocían se sorprendían al comprobar que la poseedora de aquella impactante e irrepetible voz era una jovencita de raza blanca y de aspecto menudo. No dejó indiferente a nadie, tanto blancos como negros se mezclaban entusiasmados para escucharla. Cumplió con todas las expectativas que había generado aunque estaba deseando regresar junto a su familia a la que extrañaba especialmente.

En aquel momento en que su camino iba bien encauzado apareció nuevamente Fielder y como ella seguía amándole le aceptó. Y empezó la cuenta atrás. Sus veladas se convirtieron en sonoras borracheras acompañadas de tremendos episodios de celos, discusiones, reconciliaciones, marcando el inicio en las drogas como la cocaína, heroína, crack, etc. Consumió todo aquello que pocos años antes detestaba. Si Blake hubiera sido montañero Amy hubiera escalado montañas, diría posteriormente su padre, porque ella era así, se entregaba por completo, convirtiéndose a sí misma en una presa fácil, influenciable, dependiente, voluble. Se casó con Blake, embarcándose en una convivencia tempestuosa que navegaba inexorablemente hacia el camino de la destrucción.

En un concierto en Lisboa apareció medio ebria. Después, en el Reino Unido, en un programa mediocre y sensacionalista se encargaron de despellejarla viva, no se cansaban de parodiarla, de mofarse de su aspecto, del moño que con tanto cariño hizo suyo, en un recuerdo dedicado a las cantantes de jazz y soul de las décadas de los años 50 y 60, sobretodo en memoria de Ella Fitzgerald. Se reían de la persona, sin ningún escrúpulo a la hora de ridiculizar a un ser humano que atravesaba por una situación terrible, consumidora de unas drogas que la anulaban y no la permitían ver los estragos que le estaban ocasionando. Se convirtió en la diana de todos los dardos envenenados de este deplorable y morboso reality show que utilizó su figura en los momentos más dramáticos. Resulta evidente que tuvo que sufrir muchísimo viéndose perseguida constantemente por los paparazzi, despojada de su dignidad y denigrada públicamente. ¿Dónde estaba la compasión o aquello del amor al prójimo?

 “En un concierto en Lisboa apareció medio ebria. Después, en el Reino Unido, en un programa mediocre y sensacionalista se encargaron de despellejarla viva, no se cansaban de parodiarla, de mofarse de su aspecto, del moño que con tanto cariño hizo suyo”



Y Blake que decía no pretender su dinero no dudaba a la hora de pedírselo cada vez que le daba un beso. Se presentó una demanda de divorcio contra él. Posteriormente cumplió cárcel por intento de robo con allanamiento de morada en una propiedad ajena.

Sin duda, fue un tiempo de oscuridad en la vida de la cantante, se mostraba huraña, esquiva, malhumorada y finalmente tocó fondo. No quería subir a ningún escenario, se sentía aterrorizada. La convencieron para desintoxicarse y voluntariamente se marchó a un lugar alejado, tranquilo, una isla llamada Sainte’Lucie. A los pocos días su padre Mitch se le unió presentándose acompañado de una cadena de tv con la que había firmado un contrato, no creía que estar sola le ayudase en su recuperación. La mirada de Amy mostraba la incredulidad, el shock que le provocó este hecho. Consiguió desintoxicarse de las drogas pero en algunos momentos clave el alcohol fue un sustituto, como en el concierto de Belgrado el 18 de junio de 2011, catalogado de desastroso y escandaloso ya que apareció completamente ebria en el escenario. La brutal presión que se ejercía sobre ella la hacía entrar en una espiral de pavor donde necesitaba tomar un estimulante antes del concierto. Todavía no estaba preparada, sin embargo, había que cumplir con los contratos. Un mes después, a la edad de 27 años, a causa de un coma etílico (no había drogas ilegales en su organismo) Amy dejó prematuramente esta vida. Una muerte que se podría haber evitado.

¿La escuchó alguien cuando expresó su terror a aparecer de nuevo en los escenarios? ¿Era más importante empujarla a tomar unas copas de alcohol para poder soportarlo que respetarla, aprender a amar a la persona que llevaba en su interior y esperar a que se recuperase definitivamente? Otras figuras del espectáculo conceden entrevistas a diestro y siniestro, les encanta salir en portadas y les da igual si se las cuestiona o no, da la sensación de que el dinero puede comprarlo todo, en cambio para Amy Winehouse, paradójicamente, no era así.

 

Homenaje de sus fans el día de su fallecimiento

Repasando su vida y su trayectoria he aprendido a admirar a esta brillante y hermosa joven, vendida a una maquinaria como es la industria musical, protagonista de algunas páginas gloriosas de la música escritas por la genialidad de su don innato como compositora y a estimar al ser vulnerable, con una vida demasiado humana, que se ocultaba tras la sombra de la cantante.

Montserrat Prieto
Solo soy alguien que nunca dejará de soñar con un mundo mejor. Que hace del aprendizaje una constante de su vida. Amante y defensora de la salud medioambiental, de los Derechos Humanos y de la Justicia. Escritora de cuentos y relatos

Beethoven y su sordera

Ludwig van Beethoven, nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770, falleciendo en Viena el 26 de marzo de 1827. Compositor, director de orquesta y pianista. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta el comienzo del romanticismo musical. Es uno de los compositores más trascendentales de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música de nuestro tiempo.

A los 27 años, en el año 1798, Beethoven empezó a detectar su sordera, al darse cuenta que tenía dificultades para oír, lo que le hizo después de dos años visitar al médico. Cuatro años más tarde del inicio de esta patología, seguía perdiendo audición de forma gradual, por lo que empezó a temer quedarse irremediablemente totalmente sordo. Esta circunstancia hizo que cayese en una depresión, escribiendo una carta dirigida a sus dos hermanos donde contemplaba la posibilidad de suicidarse: “

“No podría forzarme a decir a los demás: hablad más alto, gritad, porque estoy sordo… la humillación cuando alguien oyera una flauta… y yo no oyese nada”.

Sin embargo, a pesar de la dolencia, durante los años posteriores, este gran músico prosiguió tocando el piano como solista y componiendo  obras de una profundidad y una fuerza sin precedentes, tales como la 3ª y 6ª, la Heroica (1804) y la Pastoral (1808), así como la 4ª y la 5ª, con casi nada de audición.

Fue más tarde, en el año 1820, cuando se quedó totalmente sordo, lo que le llevo a dejar sus actuaciones en público y dedicarse solamente a la composición, en un desafió a su sordera que se traduce en las siguientes palabras escritas en una carta dirigida a su amigo de la infancia Franz Wegeler, con cierto dramatismo: “Agarraré al destino por el cuello y lo desafiaré”. 

“a pesar de la dolencia, durante los años posteriores, este gran músico prosiguió tocando el piano como solista y componiendo  obras de una profundidad y una fuerza sin precedentes, tales como la 3ª y 6ª, la Heroica (1804) y la Pastoral (1808), así como la 4ª y la 5ª, con casi nada de audición.”

Pero no sólo fue la sordera lo único que atormento a Ludwig van Beethoven, sino que, a lo largo de su vida sufrió cólicos, dolores articulares y fuertes dolores de cabeza, lo que hizo que su comportamiento se volviese una persona irritable, taciturno y socialmente aislada. En cuanto a la causa de sus dolencias, tuvieron que pasar 180 años después de su muerte para que los investigadores, analizando sus huesos y restos de su cabello, dando como resultado una intoxicación con plomo.

Lo cierto es que casi dos siglos después de su muerte, la medicina forense fue capaz de descubrir el origen de los padecimientos del músico. El nivel de plomo encontrado en los cabellos de Ludwig “superaba en más de cien veces los niveles habituales de este metal en los seres humanos”

Pero, ¿Cómo es posible que a pesar de su sordera pudiese componer?

Lejos de la imagen que tenemos todos los que no nos dedicamos a la música de un compositor, suele ser el de una persona sentando al piano, pasando a una partitura lo que acaba de tocar. Sin embargo, el proceso de composición no funciona así, sino que tiene lugar en el “oído interno“, de manera que, igual que sucede con el escritor de una obra de teatro, que no tiene que decir en voz alta su texto antes de escribirlo, el compositor escucha interiormente la obra que posteriormente se desarrolla.  Los psicólogos musicales hablan de una black box para expresar que el proceso creativo nunca podrá explicarse por completo. La redacción escrita de una obra musical es por ello casi siempre el punto final de un trabajo cerebral.

Otros datos curiosos de este gran músico y compositor, que por muchos son desconocidos, son los siguientes:

1. A los 11 años publicó su primera composición

En 1782, con apenas once años de edad, Beethoven publicó su primera composición escritas en do menor, algo no muy para la época, titulada Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst Christoph Dressler (WoO 63)

2. Fue un fiel amante de la naturaleza

Un dato curioso sobre Beethoven es que amaba la naturaleza hasta el punto de expresar “Prefiero mil veces a los árboles que a cualquier persona”. Para apreciar esto solo debemos escuchar su sexta sinfonía, La Pastoral, en la que nuestro genio es capaz de traducir la imagen de la naturaleza a los sonidos de la orquesta. 

3. Ludwig van Beethoven fue el tercero en tener ese nombre

El primer Ludwig van Beethoven fue su abuelo, y el segundo, su hermano, quien murió 6 días después de que él naciera.

4. Fue obligado a practicar día y noche

Su padre estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart diese conciertos a los siete años y aspiraba que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, le obligó a practicar día y noche. 

5. Tuvo un encuentro con Mozart

A la edad de 17 años viajó a Viena donde se encontró con el célebre Wolfgang Amadeus Mozart. El artista no se impresionaba fácilmente con los músicos que llegaban a mostrarle sus habilidades, pero la historia dice que Beethoven logró algunos cumplidos del músico (es el único encuentro documentado entre Mozart y Beethoven).

6. Desaliñado y extraño

Este genio de la música solía ir por la calle con ropa desaliñada y el pelo desarreglado, gritando las melodías que se le ocurrían a plena voz y anotándolas en un cuaderno (él no podía oírse).

7. Nunca se casó y tampoco tuvo relaciones duraderas

Ludwig jamás se casó y en lo general fue muy infeliz a lo largo de su vida, lo cual se acentuaba por sus problemas de salud y las preocupaciones constantes de su sobrino Karl van Beethovendel cual era tutor.

8. Sonata Claro de Luna

Esta sonata fue muy exitosa desde que fue conocida y escrita para su alumna Julie Guicciardi. Beethoven odiaba dar clases a menos que se tratasen de personas muy talentosas o jóvenes hermosas. El compositor nunca conoció esta sonata por ese nombre, porque fue el poeta Ludwig Rellstab quien la llamó así por primera vez, 5 años después de su muerte.

9. Falleció durante una tormenta

Beethoven murió durante una tormenta eléctrica y todo el mundo comparó este hecho con sus composiciones algo tormentosas. Su muerte se debió a sus numerosas enfermedades, pero la autopsia reveló que la causa principal fue un hígado descompuesto por el alcohol y una cirrosis avanzada.

 

 

Adios a Leonard Cohen

Leonard Cohen ha muerto. El artista canadiense ha fallecido un mes después de la publicación de su último disco, “You want it darker”, y en el mismo año en el que se fueron otros grandes músicos como David Bowie y Prince.

El cantautor, poeta y novelista de la voz grave y desgarrada, cuyas cuerdas vocales parecían vibrar desde lo más profundo de su garganta, deja a sus 82 años un legado inmenso. Esta noche lo comunicaba su familia en la red social de Facebook de la siguiente manera:

“Con gran pesar informamos de que el legendario poeta, cantautor y artista Leonard Cohen ha fallecido. Hemos perdido uno de los músicos más reverenciados y un prolífico visionario“.

Post publicado en Facebook

Asimismo, su hijo Adam Cohen, en un comunicado, ha señalado, al referirse al último álbum del artísticaeditado hace un mes: “Mi padre murió tranquilamente en su casa de Los Ángeles con la certeza de que había completado lo que sentía“.

Antes de irse, este autor de poemas obsesionados por la vida y la muerte, intérprete de voz honda —gravísima— y Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011, se despidió: “Estoy preparado para morir. Espero que no sea muy doloroso“, confesaba, con humor, hace unos meses en una entrevista a The New Yorker.

Cohen mantuvo una actividad musical muy activa. Publicó catorce discos de estudio y ocho discos en concierto. Su álbum más conocido, Old Ideas fue lanzado en enero de 2012, a sus 77 años.

“Antes de irse, este autor de poemas obsesionados por la vida y la muerte, intérprete de voz honda —gravísima— y Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011, se despidió: “Estoy preparado para morir. Espero que no sea muy doloroso” 


Conocido especialmente por su faceta de cantautor, sus letras son muy emotivas y líricamente complejas; sus tres ejes temáticos predominantes, el amor, la religión y las relaciones de pareja, deben más a los juegos de palabras y metáforas poéticas de la literatura culta que a las convenciones de la música folk. Cohen canta con una voz muy peculiarmente grave, ha influido en muchos otros cantautores y sus canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas. A causa del pesimismo que irradian sus letras, la prensa lo ha considerado “el depresivo no químico más poderoso del mundo“.

Los temas recurrentes en la obra de Cohen son el amor y el sexo, la religión, la depresión psicológica, la bohemia, la angustia urbana, la propia biografía personal y la música en sí misma; aunque también ha abordado otros asuntos políticos, lo ha hecho a veces de modo ambiguo.

El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; la experiencia de Cohen como novelista y poeta le dota de una sensibilidad especial para tratarlos. Suzanne, probablemente la primera canción de Cohen que atrajo la atención de públicos amplios, mezcla cierto tipo de amor con la meditación religiosa, mezcla que igualmente se produce en Joan of Arc.

 

 

Lo echaremos mucho de menos.

 

Feliciano Morales Martín
Licenciado en Derecho. Técnico Superior en Telecomunicaciones. Asesor jurídico de Administración Pública. Administrador Plazabierta.com. Escéptico por naturaleza y soñador de vez en cuando.

Música contemporánea que no pasa de moda. Madonna – Madonna

Manndona

primer disco de Mandonna

Madonna, cuyo nombre completo es Madonna Louis Veronica Fortin, nació en 1958 en Bay City Michigan, Detroit, en Estados Unidos, de padre italiano y madre canadiense y es la tercera de seis hermanos.

 

Cuando contaba seis años, su madre murió de cáncer, a los treinta, y este hecho marcó su vida. Su padre fue el encargado de brindarle una educación estrictamente católica. Madonna tuvo dos hermanastros más, fruto de una segunda relación de su padre.

Siendo aún niña, Madonna comenzó a dar clases de baile con un conocido coreógrafo quien consigue inculcar en la joven Madonna la necesidad de entregarse en cuerpo y alma a su sueño de ser una gran artista. Gracias al apoyo de su profesor, Madonna obtiene una beca para la Universidad de Michigan, ansiosa por salir de su entorno familiar. Posteriormente se fue a Nueva York a ampliar sus estudios de arte, a la vez que trabajaba en lo que salía.

En Nueva York, trabajó como camarera de restaurante y también como modelo fotográfica. Precisamente, uno de sus trabajos como modelo fue posar desnuda para unos estudiantes. Esas fotografías en las que aparece desnuda le darían más adelante fuertes dolores de cabeza, cuando ya era famosa. Pero hasta que eso llegó, Madonna creó un grupo, junto a un amigo: ‘The Breakfast Club’, en el que Madonna toca la guitarra y la batería.

Tras tocar en varios grupos y cambiar continuamente de representante, Madonna firma finalmente en 1982 un contrato con una filial de la Warner Bros. Con ellos publica su primer single, titulado “Everybody”, obteniendo un notable éxito en las listas. El sencillo apareció el 6 de octubre de 1982 y raiz de él, la artista comienza a trabajar en el que será su primer álbum.

Madonna” es precisamente el título del primer álbum de Madonna, compuesto es su mayor parte por la propia artista. A los mandos de la producción se situaría Reggie Lucas, quien colabora con Madonna en la creación de su primer gran éxito, “Borderline“.

La cantante tuvo algunos desacuerdos con Reggie Lucas, por lo que buscó el apoyo de John “Jellybean” Benitez para concluir el álbum. Del propio Benítez fue, por ejemplo, la producción del tema “Holiday“, el tercer sencillo extraído del álbum.

Es el primer álbum de estudio de la que después se convertiría en la reina del pop. Figuró en varias listas de los mejores discos del año como la revista Entertainment weekly y Rolling Stone. Fue certificado con cinco discos de platino por más de cinco millones de copias vendidas. Se publicaron cinco sencillos y después Madonna realizó su gira The virgin tour. –

http://culturacolectiva.com/20-discos-contemporaneos-que-nunca-pasaran-de-moda/#sthash.JoUPr5Nw.dpuf

http://www.madonna.com

 

Entrevista a Ainara LeGardon sobre Propiedad Intelectual

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“El modelo actual de gestión de derechos de autor es inflexible y no escucha ni atiende a las necesidades reales de los autores”

Ainara LeGardon ha alternado su trabajo como cantante y guitarrista de rock independiente con su trabajo en el campo de la experimentación sonora, incluso de ´luthier’. Además se ha convertido en una de las mayores expertas españolas en derechos de autor. Ha cultivado su labor docente en el campo de la Gestión Cultural y la Propiedad Intelectual y su compromiso con la independencia. Recientemente ha sido finalista del prestigioso Premio Rodrigo Uría Meruéndano de Derecho del Arte con su artículo “Revisión del marco legislativo de la Unión Europea en materia de propiedad intelectual: conflictos, propuestas de modernización e implicaciones en el futuro de la gestión de derechos”. Como artista, docente, e investigadora de la gestión cultural y de propiedad intelectual creemos que es muy interesante escuchar lo que nos puede contar acerca de estos temas y por ello nos hemos decidido a hablar con ella.

– Hola Ainara, primero de todo queremos saludarte y agradecerte que te hayas prestado a hablar con nosotros.

Gracias a vosotros.

– Los medios de comunicación nos muestran una guerra entre artistas e internautas sospechosos de robar su trabajo. Todo ello con las sociedades gestoras como la policía que os rescata de los delincuentes; ¿tú como autora cómo ves esta batalla si crees que existe?

Como bien apuntillas con ese “si crees que existe”, a veces las entidades de gestión ponen en marcha acciones para defendernos de algo que puede que algunos autores ni siquiera consideremos como amenaza (no sólo en el ámbito de Internet, sino también fuera de la red –pequeños establecimientos hosteleros, por ejemplo-). No se trata tanto de una guerra entre usuarios y creadores, sino entre usuarios y entidades de gestión. Éstas hacen valer nuestros derechos de la manera en que ellas estiman conveniente, de forma, en muchos casos, desproporcionada y arrastrándonos hacia batallas que a veces sentimos ajenas.

La clave está en el Art 150 de la Ley de Propiedad Intelectual, que legitima a las entidades de gestión para emprender cualquier acción que consideren oportuna en nombre de sus socios y defender sus derechos en cualquier procedimiento administrativo o judicial. Además, como el contrato de gestión que firma un autor al asociarse a SGAE es de carácter exclusivo, el autor encomienda a SGAE la gestión de todo su repertorio (lo que algunos expertos califican como fraude de ley, ya que el Art. 153 LPI expresa que una entidad no podrá imponer como obligatoria la gestión de la totalidad de la obra o producción futura de un autor, asunto que ya le ha acarreado a SGAE una reciente demanda).

Es reseñable, también, el concepto de “legitimación extraordinaria” como un privilegio procesal de las entidades gestoras, del que habla el Profesor Ureña Salcedo en su magnífico libro Régimen público de la gestión colectiva de derechos de autor (2011). Explica que las sociedades gestoras están legitimadas para actuar ante los Tribunales en defensa de “intereses difusos”. Pueden reclamar el pago de determinados derechos patrimoniales ante los Tribunales “sin necesidad de demostrar que se trata de la utilización de obras de sus miembros. No deben acreditar, por tanto, que representan y defienden derechos de personas concretas”. Es más, las entidades de gestión pueden fiscalizar documentación y comprobar operaciones de empresas privadas (controlar la recaudación obtenida en taquillas, por ejemplo), viéndose afectados los derechos de terceros en pos de la supuesta protección de algunos derechos de propiedad intelectual.

Ya en 2011 Ureña señalaba que “la irrupción con fuerza del copyleft, del código abierto, o la ampliación del ámbito de los mercados, aunque inicialmente pudiera pensarse que no afectan a la legitimación extraordinaria de las entidades de gestión colectiva, exigen una reflexión y puede que, en un futuro próximo, lleven a introducir algún cambio normativo”.

– En tus artículos eres muy critica con la SGAE y las sociedades gestoras de los derechos de autor ¿podrías explicar a nuestros lectores el porqué?

Soy crítica con los modelos de gestión opacos, injustos y que abusan de su situación de monopolio. SGAE es el ejemplo más grave de ello, y las continuadas sanciones por parte de la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia lo han dejado patente. Por otro lado, ejemplifica un círculo vicioso cada vez más cerrado: un modelo en el que conviven autores y editores (industria), y en el que la representación de los socios se otorga de forma ponderada (quien más recauda, más votos tiene). De esta forma, el poder que adquieren las grandes editoriales frente a los pequeños autores hace que sea imposible cambiar ciertas regulaciones internas para otorgar más representación a los pequeños compositores musicales, por ejemplo. La mayoría no tienen ni siquiera derecho a asistir a las asambleas.

-¿Crees que este modelo de gestión por parte de estas sociedades al final acaba perjudicándoos a vosotros en vez de beneficiaros?

Sin duda. Se trata de un modelo inflexible que no escucha ni atiende a las necesidades reales de los autores.

– Remarcas mucho la contradicción que supone que un autor que decida publicar su trabajo con licencias Creative Commons no pueda ser miembro de la SGAE y que legalmente sólo la SGAE puede gestionar su obra. ¿Cómo crees que se podría solucionar esto y que consecuencias tiene esta contradicción?

Comenzaremos por las consecuencias: cientos de creadores estamos incumpliendo el contrato que en su día firmamos con SGAE. Si llevar a cabo nuestro trabajo diario en las condiciones que queremos, hace que estemos vulnerando continuamente un modelo de contrato (impuesto unilateralmente por la entidad), ¿no habrá, quizás, que revisar ese modelo?

La solución es fácil y tan sólo hay que adoptar el ejemplo de otros países como Holanda, Suecia, Dinamarca y Francia: Que SGAE llegue a un acuerdo con Creative Commons e implemente aquí el programa piloto que ya lleva funcionando en otros países desde hace años.

Otra solución igualmente necesaria –además de complementaria a la anterior- y que muchos llevamos reivindicando bastante tiempo, sería que SGAE ofreciera la posibilidad de que el contrato de gestión que firma un autor al hacerse socio fuera de carácter no exclusivo. Es decir, que se llevara a cabo una “gestión por obra” y no “por persona”, de forma que el autor pudiera elegir dejar algunas obras fuera del repertorio gestionado por la entidad. Esto no es ciencia ficción, sino que es un contrato adoptado ya por varias gestoras (CEDRO, VEGAP, DAMA y EKKI), e incide en el conflicto con el Art. 153 LPI, que ya hemos descrito antes.

– ¿Consideras que la disponibilidad en la web de ciertas obras es siempre un problema para los autores o puede ser en muchas ocasiones un beneficio?

Para empezar, que nuestra obra esté disponible en Internet hoy día es prácticamente inevitable. Tengo conocimiento de muy pocos casos de artistas que en los últimos años hayan decidido únicamente divulgar sus canciones en vinilo o cassette y prescindir del formato digital. Su ámbito de difusión pretende mantenerse estrictamente en lo físico, incluyendo la interpretación en directo. Parte fundamental de esa obra es el canal y forma que los autores han elegido para divulgarla, además de la intención de limitar el número concreto de copias. Comentaba con algunos colegas de profesión lo difícil que resulta conservar esta posición y mantener la música fuera del entorno digital. Cualquiera puede, muy fácilmente, digitalizar una de esas cintas o vinilos y colgarlo en Youtube. El titular de derechos (aquí nos encontraríamos a la discográfica por un lado y al autor por otro) podría denunciar una vulneración de derechos y solicitar la retirada del material, pero nada impediría que otra persona lo subiera al día siguiente. También hay que plantearse que una decisión de este tipo, con toda su dimensión ética y estética, es relativamente fácil de tomar en los casos de discos auto-producidos, en los que los autores son los propios sellos. En caso contrario habría que encontrar una discográfica dispuesta a renunciar a la difusión de las obras en el ámbito digital, lo cual se torna más difícil.

Mi decisión ha sido la de que mi obra esté disponible en Internet, pero, dependiendo de qué tipo de obra, atendiendo a unas determinadas condiciones. Mis artículos, por ejemplo, están disponibles bajo licencia CC-BY-NC-SA 3.0. Mi música dentro del género “rock” (por ponerle una etiqueta) está con “todos los derechos reservados”, y mis improvisaciones y piezas de música experimental están bajo licencia CC (con diferentes cláusulas dependiendo del caso). Esto, para empezar, ya constituye por mi parte un incumplimiento de contrato con SGAE. Lo confieso abiertamente porque me parece necesario visibilizar una situación en la que nos encontramos centenares de músicos.

Dicho esto, me encantaría que el público tuviera en cuenta mis decisiones y mi voluntad antes de bajarse mis canciones en formatos de poca calidad que yo no he autorizado. La clave es, una vez más, el respeto a la decisión del creador (sea cual sea: ya sea limitar el acceso a la obra, o bien dedicarla directamente al dominio público –algo que actualmente las leyes impiden-). La política de Aloud Music, el sello con el que he co-editado mis dos últimos discos, es la de poner a disposición del público en descarga libre todo el material de sus grupos. Esas descargas están en formatos de calidad y se sugiere la donación de una cantidad voluntaria. Me comentaban que es sorprendente la cantidad de gente que paga, aunque sean cuantías simbólicas, apoyando y agradeciendo la labor de quien ha realizado una inversión para que esa música esté disponible.

La reciente lectura del libro #Gorrones. Cómo nuestro insaciable apetito de contenidos gratis en Internet empobrece la creatividad (2015) de Chris Ruen, me ha reafirmado en algunos de mis posicionamientos. Si bien creo que por momentos el autor “se pasa de frenada”, es importante reflexionar sobre la necesidad de considerar y respetar las decisiones que los creadores tomamos cada vez que decidimos divulgar una de nuestras obras. Permitidme que extraiga un par de citas interesantes:

“Los términos descarga o descarga gratuita resultan demasiado generales o imprecisos. La descarga no tiene nada intrínsecamente malo y la descarga gratuita es fantástica en tanto se realice con el consentimiento del creador”.

Habla de los “gorrones digitales” y dice que este término “coloca la ingratitud del consumidor individual en primer plano, lo vuelve visible y alienta una cultura de la responsabilidad sobre las elecciones (como la de pagar o no pagar) que toma cada uno. Utilizar esta palabra es un reconocimiento de los derechos de los creadores y de la importancia de su consentimiento”.

A riesgo de convertirme en alguien impopular por estos lares, estoy de acuerdo con él, y con la mayoría de los músicos entrevistados en el libro: después de 25 años tocando un instrumento y dejándonos la piel en locales de ensayo, algunos se ven abocados a ganarse la vida como vendedores de camisetas.

– ¿Qué opinas de la última reforma de la Ley de Propiedad Intelectual?

Es una ley que nació obsoleta al no lograr transponer en su totalidad la directiva europea relativa a la gestión colectiva de los derechos de autor y derechos afines y a la concesión de licencias internacionales online en el mercado interior. Si bien ambas convergen en la necesidad de una mayor transparencia, eficiencia y control de las sociedades gestoras, hay otros aspectos de la directiva que la ley no ha logrado abordar. Cabe destacar que Europa establecía el 20 de abril del 2016 como fecha límite para su transposición a los distintos Ordenamientos Jurídicos de la Unión europea, compromiso que España no ha podido asumir a tiempo. Será, por tanto, necesaria y urgente una nueva modificación de la LPI.

– Personalmente me da la sensación de que si tanto los gobiernos como las Sociedades gestoras (SGAE) os escucharan e intentarán adaptarse a vuestras necesidades, peticiones y a los tiempos que corren se solucionarían muchos problemas; ¿compartes esta opinión?

La comparto, pero también soy consciente de que muchas veces los autores no saben ni quieren dialogar con políticos ni con gestores. Soy muy crítica con la actitud de mirar hacia otro lado, como si el tema no fuera con nosotros (como manifesté en mi texto “¿La culpa es de los artistas?”). Hay que ser valiente, intentar expresar nuestras necesidades desde un punto de vista calmado pero firme, y quizás haya que adquirir los conocimientos para poder convertirnos en interlocutores válidos, conocedores no sólo de nuestro medio, el creativo, sino del entorno legal y de los entresijos del negocio (por mucho que algunos odiemos esta palabra). No digo que haya que convertirse en expertos en propiedad intelectual, pero saber identificar los conflictos y visibilizarlos ayudaría a que los que tienen que tomar las decisiones políticas y legales nos tengan más en cuenta.

– ¿Son los consumidores los que se tienen que adaptar a los autores, los autores a los consumidores, o hay una vía intermedia para llegar a un consenso y a un entendimiento? ¿Crees que es fácil llegar a este consenso o simplemente crees que es posible?

No me gusta utilizar la palabra “consumidor” cuando hablamos de cultura. Como alguna vez ya he dicho, para mí el arte no se consume, se disfruta; y no es un producto, sino una experiencia. El público y los autores han de estar en el mismo bando: no olvidemos que los autores somos los más ávidos “disfrutadores” de obras artísticas, literarias y científicas. Habría que fomentar la interacción respetuosa entre autores y público, y viceversa.

Parafraseando de nuevo a Ruen, “una cultura sana no sólo está determinada por el grado de información compartida, sino por las responsabilidades e ideas también compartidas acerca de lo que constituye una sociedad justa”.

– ¿Cuáles son las virtudes y los defectos de los nuevos consumidores?

Creo que más que virtudes y defectos del público o los usuarios, habría que hablar de los aspectos característicos de la cultura en el entorno digital, que derivan en unos comportamientos concretos de las personas. La inmediatez y la tiranía del “aquí y el ahora” han acostumbrado a los usuarios al consumo (ahora sí lo digo con todas las letras) masivo e irreflexivo. La posibilidad de acceso a ingentes cantidades de información y obras, implica desorientación, saturación, y que los contenidos se asimilen de forma muy superficial, y eso, para un público sin capacidad crítica (como el que están generando los nuevos modelos que imperan en la industria -grandes festivales sin demasiada coherencia en los carteles, una forma concreta de periodismo musical que es publicidad pura, etc.-) es una bomba de relojería.

Acerca de este tema, me ha gustado mucho el último ensayo de la artista Mery Cuesta, La Rue del Percebe de la cultura y la niebla de la cultura digital (2015), en la que define que “la cultura digital es lo que provoca en sus usuarios”. Además de los aspectos que ya he mencionado (lo que ella llama “rapidez de acceso” y “amplitud de horizonte”, que implican “una suerte de bulimia” y desorientación), destaca la ‘baratura’ como tercer aspecto de la cultura digital, y alerta de que muchas veces puede ser “la máscara amistosa de la precariedad profesional”. Creo que son palabras sobre las que merece la pena reflexionar.

– ¿Es efectiva la lucha contra las descargas o crees que es una batalla perdida? ¿Para terminar con las descargas hay que seguir otro camino al que se está tomando?

Criminalizar a casi toda una generación no es el camino, y tampoco conviene generalizar al hablar de descargas. Perdonad que vuelva a insistir cuando digo que la clave está en respetar las decisiones de los titulares de derechos. Para llegar a ese respeto y entendimiento creo que hacen falta muchas y buenas lecciones de ética y no tantos anuncios sesgados de “lucha contra la piratería” o campañas de concienciación que en realidad se convierten en maniobras de adoctrinamiento ineficaces contra el fin perseguido.


Recuerdo algunas declaraciones que aparecían en el libro El negocio de la música. Contado por los profesionales del sectorvol. 2 (2005), y que me parecieron completas aberraciones. “Hay una educación, pero yo creo más en las medidas policiales” decía el editor Antonio Pérez Solís. Terrorífico. Tanto como lo es hoy, una década más tarde, la propuesta del PP de realizar campañas en los colegios adoctrinando sobre lo que ellos creen que es el respeto a la propiedad intelectual.

 

” creo que hacen falta muchas y buenas lecciones de ética y no tantos anuncios sesgados de “lucha contra la piratería” o campañas de concienciación que en realidad se convierten en maniobras de adoctrinamiento ineficaces contra el fin perseguido.”

De estos temas siempre es un placer escuchar a David Bravo, que nos ha dejado intervenciones como ésta en la Comisión de Cultura, sobre la comparecencia de Antonio Guisasola, Presidente de la Coalición de Industrias y Creadores Culturales, para informar sobre la situación del sector cultural:

Se pregunta Bravo, muy acertadamente, cuánto tienen los informes sobre piratería de “fotografía de la realidad” y cuánto de “dibujo para conseguir una legislación específica”. Es llamativo que la legislación sea cada vez más restrictiva y, sin embargo, las descargas aumenten. Bravo compara el intento de frenar las descargas como “intentar parar el agua que atraviesa la canasta de baloncesto”, y llama a considerar vías de remuneración alternativas para creadores y titulares de derechos, como por ejemplo la “licencia general opcional” (propuesta en Francia), que promulga que lo que es aprovechado por todos (como hoy en día son los bienes intelectuales) debe ser sostenido por todos.

– No se si has leído recientemente la noticia de qué las Universidades españolas tendrán que pagar por derechos de autor: http://www.eldiario.es/cultura/propiedad-intelectual/universidades-euros-alumno-derechos-autor_0_495201074.html. ¿Qué te parece esta decisión?

Al margen de la primera pregunta que surge (¿deberían estar exentas las universidades de este pago?), es una decisión sin duda controvertida, puesto que incide de nuevo en el asunto del cobro de una tarifa plana por disponibilidad de uso, y no por el uso efectivo de una obra. Ojalá la identificación y el reparto de esa licencia a los legítimos titulares se haga de forma justa, aunque lo dudo mucho. Más allá de esto, yo espero, también, que se reconsidere esta medida, o al menos sus términos de aplicación.

– Supongo que conocerás al desaparecido Aaron Swart y a Alexandra Elbakyan, y su batalla por rescatar el conocimiento científico de las grandes editoriales que se han apropiado de él; ¿encuentras similitudes a lo que pasa en el mundo de la música?

Sí, sí que las hay, aunque es raro el caso de una canción que haya sido divulgada y no pueda encontrarse en Internet de una u otra forma para ser escuchada. Otra cosa muy diferente es la posibilidad o no de explotarla por parte de un tercero que no tenga la autorización.

Sin embargo, el caso de Alexandra Elbakyan y su proyecto Sci-Hub encierran unas motivaciones concretas, que pueden vincularse incluso a lo que la eurodiputada del Partido Pirata Julia Reda, encargada de elaborar el informe sobre las propuestas de modernización en materia de propiedad intelectual en Europa, expresaba en dicho informe: muchos artículos e investigaciones ya han sido pagados con dinero público. Reda proponía que las obras creadas por los empleados de gobierno, la administración pública y los Tribunales como parte de su misión oficial sean de dominio público, exponiendo un ejemplo que ilustra la necesidad de adoptar esta medida: las imágenes de la NASA son de dominio público y pueden ser utilizadas en documentales, estudios, y obras derivadas de cualquier creador; las de la Agencia Espacial Europea, no.

– El canon digital de España es ilegal según ha dictado la Unión Europea, ¿qué futuro esperas para él y que opinión te merece?

Sí, parece que lo que se opone al derecho comunitario no es tanto es escabroso asunto de que la compensación por copia privada se cargue a los Presupuestos Generales del Estado (algo que se lleva haciendo desde que en el 2012 entrara en vigor el Real Decreto que así lo determina), sino la circunstancia de que el importe de dicha compensación se fije a priori por el Gobierno para cada ejercicio. Esta circunstancia no es conforme a la Directiva Infosoc, que establece que el canon se ha de calcular sobre una estimación del perjuicio causado a los titulares de derechos. En los últimos ejercicios el Gobierno ha calculado este perjuicio incluso antes de producirse, asignándole una partida de 5 millones de euros (siempre la misma en los últimos años). Este es otro de los asuntos que habrá que abordar en una próxima modificación de la LPI.

– Uno de tus artículos se titula: Otro modelo es posible. ¿Nos puedes explicar resumidamente cual es ese modelo que propones?

El título de ese trabajo, hasta el mismo momento de presentarlo para su calificación, mostraba el título entre interrogantes: “¿Otro modelo es posible?”. Sin duda, a medida que iba desentrañando las reflexiones, esos interrogantes se iban desdibujando hasta dejar bien claro que existen otros modelos más justos, más flexibles y que tienen más en cuenta las necesidades y los deseos de los propios creadores.

Algunas cuestiones que mejorarían el modelo SGAE, que ya han ido saliendo a lo largo de esta entrevista, serían por un lado la adopción de un contrato no exclusivo (una gestión “por obra” y no “por persona”), la aplicación de tarifas a los usuarios que atendieran al uso efectivo de las obras y no a la disponibilidad, mejorar la tecnología de reconocimiento de obras para la mejor identificación y reparto de lo recaudado, hacer más transparente y cercano tanto el método de reparto como el flujo de dinero (de dónde viene, cuánto se queda por el camino), otorgar mayor representación a los socios para que podamos asistir a las asambleas y ejercer nuestra voz…

Yo también revisaría esa convivencia de industria (editores) y autores en un mismo modelo. En la mayoría de las ocasiones tenemos intereses distintos y el poder de la industria es mucho mayor que el nuestro.

Otro punto a abordar sería la formación de los creadores en materia de propiedad intelectual. No hablo de talleres o clases magistrales de cómo usar un software para realizar grabaciones caseras, o cómo promocionarnos en redes sociales, que también están muy bien. Me refiero a una verdadera educación dirigida a los músicos, capaz de empoderarnos, en la que se aborden todos los aspectos que tienen que ver con los derechos de los que somos titulares y cómo funcionan las operaciones en la industria musical (contratos, gestoras de derechos, plataformas de distribución digital/streaming y cómo fluyen los ingresos y reparto, etc.). A través de esa educación estoy segura de que llegaríamos también a una conciencia “de clase” que impulsara verdaderas comunidades. El carácter individualista de los músicos en general, es casi como una enfermedad que creo se atajaría con la formación.

Has investigando y hablado con muchos artistas, ¿se podría encontrar unos argumentos comunes y unos problemas similares en todos ellos o por el contrario hay mucha diversidad entre todos ellos?

Los conflictos que se les presentan y las dudas que les surgen son casi siempre las mismas. De ahí que me haya animado a publicar artículos como “De SGAE, ¿ser o no ser?”, en el que analizo las ventajas e inconvenientes de asociarse a la entidad, o “Música y audiovisuales: consejos y guía de buenas prácticas”. Las cuestiones sobre sincronizaciones y la gestión de los derechos de las bandas sonoras son otras de las más frecuentes.

También forman parte del día a día las preguntas sobre licencias libres, su viabilidad como opción profesional en un ámbito como el de la música (viabilidad por mi parte muy cuestionada) y su compatibilidad o no con los modelos de gestión existentes. Abordo ese tema ampliamente en los talleres.

Otra de las preocupaciones generales está relacionada con la fiscalidad y el tema de la Seguridad Social. Los músicos estamos desprotegidos y sin un sindicato que de forma efectiva pueda luchar por mejorar nuestra situación laboral. Sin duda, esto es algo que habría que abordar urgentemente, y me consta que ya hay un núcleo de músicos muy activos trabajando en ello.

¿Puedes comentar a nuestros lectores algo de lo que estás haciendo ahora mismo? ¿Tienes algún otro plan de futuro aún no realizado.

En estos momentos mi proyecto principal es el libro sobre SGAE que estoy escribiendo junto a David García Aristegui, autor de ¿Por qué Marx no habló de copyright? (2014). Llevamos ya año y medio con una potente investigación sobre SGAE, tratando de plasmar, en un lenguaje comprensible para los creadores, un ensayo con una buena dosis de crítica y de propuestas alternativas. Si todo va bien se publicará en febrero de 2017.

En el ámbito de la docencia, sigo con los talleres de autogestión y propiedad intelectual, colaboro de forma permanente como consultora para Musikari (Asociación de Músicos de Euskal Herria) y coordino “Copyzer”, un servicio gratuito de asesoría para proyectos creativos en el Centro Cultural CBA de Irún.

Procuro que todo esto no me reste tiempo y energías para seguir dedicándome a lo que más me apasiona. Sigo dando conciertos (próximamente tocaré en solitario en el festival Nocturama de Sevilla, en el BASK Fest de Wroclaw –Polonia-, y con mi dúo de improvisación vocal Archipiel en León).

Además, la instalación sonora y visual “Caementum”, que he realizado junto al media-artista Jaime de los Ríos, estará expuesta hasta el 10 de septiembre en el Museum Cemento Rezola de Donostia, formando parte de la exposición colectiva “Arte y cemento”.

Lo único que me da mucha pena en estos momentos es no poder dedicar más tiempo a tocar con mi banda de rock. Confieso que lo echo mucho de menos.

Para terminar hay una frase que te he escuchado en una ponencia que me ha sorprendido y a la vez me ha gustado mucho: “ Yo como empresa jamás puedo quebrar porque un artista no puede dejar de crear, porque no está en su mano dejar de crear. Un artista no puede decidir dejar de ser artista” No puedes dejar de ser artista como dices pero ¿alguna vez has deseado dejar de ser artista o a pesar de la dificultades tu vocación te llena plenamente?

Hay que tener en cuenta que el contexto de esa frase fue una jornada dedicada a la propiedad intelectual en la que los ponentes eran la mayoría abogados, empresarios de la industria musical y expertos en marketing cultural. Yo era la única autora participante, y fui, además, la última en hablar. Durante todo el día se había estado hablando de “negocio”, “industrias culturales”, “medidas estratégicas”, etc., y yo traté de vincular mi discurso a todo eso desde el punto de vista de un trabajador cuya empresa (entendiendo esta palabra en su más amplio sentido –“acción o tarea que entraña dificultad y cuya ejecución requiere decisión y esfuerzo; designio de hacer algo”-) no podrá quebrar nunca, sencillamente porque un artista, para bien o para mal, no es capaz de dejar de serlo.

La respuesta tu pregunta es un no rotundo. Desear dejar de ser artista sería como desear renunciar a la propia identidad. Hace años elaboré un “Decálogo del Hazlo tú mismo”. En el segundo punto traslado una cita de Sun Ra, que siempre tengo presente: “El planeta está dormido y es culpa de los músicos que son infieles a sí mismos.”

Por último darte de nuevo las gracias, Ainara, por perder el tiempo con nosotros. Te deseamos mucha suerte en tus proyectos.

Ha sido un placer. Contestar a una entrevista, y más si es tan interesante como esta, nunca es tiempo perdido, sino bien invertido. Gracias por todo.

*Artículos de Ainara LeGardon publicados en su web: http://www.ainaralegardon.com/category/publicaciones/ *

* Fotografía original de Rafa Rodrigo*

* Artículo relacionados de Alejandro El Nota: Los Quijotes contra la Libertad en Internet; El hijo de Internet asesinado por el viejo mundo; Sci-Hub: Alexandra Elbakyan continua el legado de Aaron Swartz ; El Código – Del Software Abierto al Mundo Abierto *

* Para más información: www.facebook.com/ElFilandonDelAutomata *

Alejandro El Nota
Ciudadano del Mundo, Amante de la Naturaleza y Peregrino del Conocimiento.
Libre-Pensador, Sociólogo-sociópata y Aprendiz de Programador.

Música contemporanea que no pasa de moda. Thriller – Michael Jackson

PORTADA TRIILLER DE MICHAEL FACTSON

PORTADA TRIILLER DE MICHAEL FACTSON

Música. Thriller – Michael Jackson

No sólo es uno de los álbumes contemporáneos más importantes, sino de todos los tiempos. Fue lanzado el 30 de noviembre de 1982. Jackson escribió cuatro de las nueve canciones de Thriller y se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Siete canciones fueron lanzadas como sencillos y llegaron al top ten en Billboard. Ganó ocho premios Grammy y convirtió a Jackson como uno de los artistas más importantes del siglo XX. –

Thriller estableció el estatus de Jackson como una de las estrellas del pop por excelencia a finales del siglo XX, y le permitió romper las barreras raciales a través de sus apariciones en MTV y su reunión con el presidente Ronald Reagan en la Casa Blanca. Además fue uno de los primeros en utilizar los videos musicales como herramientas de promoción, destacando los clips de «Thriller», «Billie Jean» y «Beat It», que se transmitieron de manera continua en el canal MTV. En 2001, se publicó una reedición especial del álbum, que contiene entrevistas adicionales de audio, una grabación demo y la canción «Someone in the Dark», que fue ganadora de un Grammy por su aparición en el audiolibro de la película E. T., el extraterrestre.  En 2008, el álbum fue reeditado de nuevo como Thriller 25, conteniendo remezclas con artistas contemporáneos, una canción inédita y un DVD.

“estableció el estatus de Jackson como una de las estrellas del pop por excelencia a finales del siglo XX”

Música contemporanea que no pasa de moda. Nevermind de Nirvana.

portada disco Nevermind de Nirvana.

Nevermind de Nirvana.

Continuando con nuestra propuesta musical referida a la discografía contemporánea  que no pasa moda, hoy queremos presentaros Nevermind  de Nirvana.

Nirvana fue una banda de grunge estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, Estados Unidos integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

 

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut Bleach, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut Bleach, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: Nevermind, que giró el rumbo de la banda. Según Krist Novoselic, los “80 se acabaron cuando salió el Nevermind”.

“Según Krist Novoselic, los “80 se acabaron cuando salió el Nevermind”. Cuando salió este álbum nuevos ritmos pudieron ser escuchados por un público masivo”

Según Krist Novoselic, los “80 se acabaron cuando salió el Nevermind”. Cuando salió este álbum nuevos ritmos pudieron ser escuchados por un público masivo. Seattle fue el epicentro del grunge, ritmo que nació con la agrupación y reinventó el mercado discográfico.

Te invitamos a escucharlo en el video que te presentamos a continuación.

Música contemporánea que no pasa de moda

portada disco

The Queen is Dead – The Smiths

Igual que sucede con la música clásica, también en la contemporánea encontramos obras que trascienden épocas y que se quedan en nuestra memoria para siempre.

Es por ello que queremos en ésta y sucesivas publicaciones hacer una recopilación de aquella música que marcaron épocas y tendencias, dejado una huella imborrable en la industria musical desde el mundo moderno y contemporáneo.

Empezaremos con  “The Queen is Dead – The Smiths”. Este disco se convirtió en un pilar de la banda y en un ícono clásico de la cultura musical de los 80. Muchas veces se dice que es el mejor álbum, la revista Rolling Stone la calificó con cinco estrellas y está rankeado como el número 216 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El crítico Mark Coleman aseguró “les guste o no, estos chicos se quedarán por algún tiempo”.

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